塩 | Salt @House of Ebata

| Salt

2023年1月29日(日)13時〜19時

13-19 Sun 29 Jan 2022

House of Ebata, Tokyo

https://houseofebata.wixsite.com/info

houseofebata@gmail.com 

*アクセスにつきましてはお問合せいただきますようお願いいたします。Please ask the organiser for the access directly.

Viktor Belozerov ビクター・ベルゾエロフ

Kyoko Ebata 江幡京子

Mako Fukuda 福田真子

Kana Kimura 木村佳奈

14:00-16:00 

トーク Talk “Anti-war vacation: life and death in art and politics of Russia”

Viktor Belozerov ビクター・ベルゾエロフ 

https://us02web.zoom.us/j/84505468122?pwd=c3ZaTDIvZHFiUE90emZuUDdXNzNuZz09

ミーティングID: 845 0546 8122  パスコード: 840298

ビクターさんとの対話は、ウクライナ侵攻が始まった時にビクターさんが日本のアーティストに『平和のための手紙』を書くように呼びかけたことから始まりました。誰かを愛するということは、いつかその人を失うことでもあるのでしょうか?そして、その人を守りたいから争いが起こるのでしょうか?先のことはよくわからないですが、今、より多くの人を愛し、互いの理解をより深める努力をしたいと思います。 

The dialogue with Viktor began when Russia invaded Ukraineand Viktor invited Japanese artists to write anti-war statements for a letter campaign called “Letters for Peace”. Does loving someone also mean that you will lose that person eventually? Do we start a fight to prevent the loved one from getting hurt? We don’t really know what the future holds, but we believe that now we can love more people and understand each other more.

*ビクターさんは国外からオンラインで参加になり、トークは英語で行われますが、日本語でのサマリーや通訳のサポートを行います/ The talk will be held in English. Language support for Japanese  will be provided on an as-needed basis.

18:00 〜

涙で梅干しを作る Making plum pickles with teas 

Mako Fukuda 福田真子/ Kana Kimura 木村佳奈 With Kyoko Ebata 江幡京子

月の沙漠 | The Desert Moon

江幡京子 Kyoko Ebata

2020-2022 Digital Video

スクリーニング screening

*スクリーニングは予約制で2月末までご覧いただけます。open by appointment until the end of February.

* 詳細 more info

涙で梅干しを作る Making plum pickles with tears 

ハウス・オブ・エバタは江幡京子の祖父母の家でした。数年前に納屋で江幡の祖母が半世紀程前に作ったと思われる梅干が見つかりました。梅干しは古くから保存食や食薬品として親しまれてきました。保存食とは現在進行形の生きた記憶であり、それが引継がれる家の歴史でもあります。

今回、江幡の父の看取りをテーマにした作品『月の砂漠』のスクリーンニングを行うにあたり、木村佳奈と福田真子の提案で、わたしたちはこの梅干を「みなで食べ、共に泣き、強制的に集めた大量の涙で塩を生成し、新たに庭の木に成る梅の実をその塩でつける」という儀式を通して、弔いの中でも、生きる力やユーモアを忘れないことを実践したいと考えました。

保存食品の食べ物を腐らせずに保存させようというアイデアそのものに「死への対抗」があります。長い間夢の中で死に抗いながら眠っていた梅干を体内に入れて目覚めさせることは、梅干しと私たちの時間軸をシンクロさせ、生と死を連続させる行為であると言えるでしょう。そしてその夢をわたしたちの涙でアクティベートさせ、塩に結晶化します。

塩は生き物にとってなくてはならないと同時に、使いすぎると全ての生き物を殺すこともできます。その塩を操り、私たちの身体は今年もまた新しい実をつける梅の木に出会い、共に次の世代に受け継いで行きます。

*梅干は株式会社食品微生物センターに検査を依頼し、食用に問題ないとの結果が出ております。

House of Ebata was the home of Kyoko Ebata’s grandparents. A few years ago, pickled plums that seemed to have been made by Ebata’s grandmother some half-century ago were found in the barn. Dried plums have long been a popular preserved food and food medicine. Preserved food is an ongoing living memory and a family history that is passed on. In screenings for the film “The Desert of the Moon”, which is about Ebata’s father’s death-watch, Kana Kimura and Mako Fukuda suggested that we should use the pickled plums in the ritual of “eating them together, crying together, making salt with a large quantity of forcibly collected tears, and using the salt to dip the newly grown plums in the garden tree”, so that even in mourning, we can practise not forgetting to find strength in life and a sense of humour.

The idea of preserving food without allowing it to spoil is itself an attempt to ‘resist death’. Waking up the dried plums in our bodies, which have been sleeping for a long time in a dream, defying death, is an act of synchronising the dried plums with our time axis and making life and death in continuity. The dream is then activated by our tears and crystallised into salt. Salt is indispensable for living beings, but at the same time it can kill all living things, if we use too much of it. By using the salt, our bodies meet the plum tree, which bears new fruit again this year, and together we pass it on to the next generation.

*The pickled plums were tested by Food Microbiology Centre Inc. and found to be safe for human consumption.

略歴|profile

ビクター・ベルゾエロフ| Viktor Belozerov

インディペンデント・リサーチャー。ロシア国立人文大学(モスクワ)美術史学部卒業。ロシアにおける現代日本文化の普及を目的とした教育プロジェクト「Gendai Eye」を立ち上げる。現在、日本研究室J100Rの主任研究員として、1920年代から現在までのロシアにおける日本の現代美術に関する思想を研究している。

Viktor Belozerov is an independent researcher. Graduated from the Art History Faculty of the Russian State University for the Humanities (Moscow). Created the educational project Gendai Eye, which aims to promote contemporary Japanese culture in Russia. Currently the lead researcher of the Japanese Laboratory J100R, which focuses on ideas about contemporary Japanese art in Russia from the 1920s to the present. 

江幡京子|Kyoko Ebata 

アーティスト。ゴールドスミス卒。日常で目にする様々な事柄をテーマにそこで生活する者の目線から時代を表現する。現在はプロジェクトスペースHouse of Ebataを運営しつつ、国内外で発表している。

Kyoko Ebata is an artist, graduated from Goldsmiths’ College. She expresses the times from the perspective of a person living in everyday life. Currently runs the project space House of Ebata, while exhibiting widely. http://kyokoebata.com

福田真子|Mako Fukuda 

ドイツ在住。ウェブマガジン「ヴァルナブルな人たち」、Zineイベント「ZINEFEST Leipzig」を運営。ライプツィヒのコミュニティスペース「日本の家」の活動に関与するなど、中間共同体に関心を持ち活動を続ける。

Lives and works in Germany. Runs the webzine ‘vulnerable people‘ and the Zine event ‘ZINEFEST Leipzig’. She pursues her interest and activities in intermediary communities, including involvement in the community space ‘Das Japanische Haus e. V.” in Leipzig. https://vvulnerablepeoplee.wixsite.com/website 

木村佳奈|Kana Kimura 

アイスランド芸術大学ファインアート学科卒業。 文化人類学的側面から、内外在な関係性の変遷を観察し制作する。一時性やそこで起こる力学的運動に注目し、プロジェクトやワークショップなどを試み「儀式的制作」と呼ぶ。ウェブマガジン「ヴァルナブルな人たち」を運営。

Kimura has graduated from Fine Art BA, Iceland University of the Arts. From a cultural anthropological perspective, the artist observes and produces the transition of internal and external relations. Focusing on transience and the dynamic movements that take place there, she attempts projects and workshops, which she calls ‘ritual production’. She run a web magazine “vulnerable peoplehttps://kanakimura.wixsite.com/kanakimura

月の沙漠 | The Desert Moon, Kyoto

江幡京子展

月の沙漠 | The Desert Moon

Kyoko Ebata

2022年12月17日(土)〜1月日8日(日)14~19時 

レセプション 12月17日(土)19時〜

monade contemporary | 単子現代

〒605-0829 京都府京都市東山区月見町10-2 八坂ビル地下1階 奥左入ル 2号室

Sat 17 Dec 2022 – Sun 8 Jan 2023

Reception 19:00 19 Sat 17 Dec

monade contemporary | 単子現代

Room 2, B1F Yasaka Bldg, 10-2 Tsukimi-cho, Higashiyama-ku, Kyoto, 605-0829

https://monadecontemporary.art-phil.com

月の沙漠 | The Desert Moon

ある日、母からメールが来ました。父の下の顎に癌が見つかり、手術をしないことに決めたそうでした。父は22年間脳出血の後遺症を患って闘病生活を送っていたので、わたしも反対しませんでした。それからいつの間にか父は自宅で看取られることになりました。父の癌はどんどん進行し、お医者さんによると余命二週間で、痰が喉に詰り癌で死ぬ前に窒息死する恐れもあるとのことでした。そこでわたしはしばらく実家に帰ることにしました。

肺の奥までチューブを入れる痰の吸引は毎日2回2ヶ月近く続き、父は地獄のような日々を送りました。母とわたしはそれをじっと見ていました。看取りのことを何も知らなかったわたしたちは父に2回お別れをしました。それからまた数週間して、父は黒い便をしました。亡くなる前に人間の体は汚物を全て外に出すそうです。それは真っ黒な液体でした。3回目に父は本当に亡くなりました。

今思い返すと、わたしが父のそばにいることで、悪戯に父の苦しむ時間を伸ばした気がします。父が亡くなる瞬間を見ないといけないと思い込み、つきっきりで看病してどんどん判断力が鈍って行きました。ほんの100年前なら、情けを掛けてあげるのが筋だったはずです。そして、多分それをしなければならないのは長女のわたしだったはずです。愛情は暴力でもあります。わたしたちは本当に父が大好きでした。

One day, I received an email from my mother. She told me that cancer had been found in my father’s lower jaw and they had decided not to operate. I didn’t object, as my father had been suffering from the aftereffects of a brain haemorrhage for 22 years and had been battling with the disease. Before I knew it, they decided to take care of my father at home. His cancer was progressing rapidly and the doctors said he only had two weeks to live, and that he might choke to death before dying of cancer from phlegm in his throat. So I decided to stay at my parents’ flat for a while.

The suctioning of phlegm, which involves inserting a tube deep into the lungs, continued twice daily for nearly two months, and my father lived in hell. My mother and I could not do anything but watch him. We didn’t know anything about end-of-life care, so we said goodbye to him twice. A few weeks later, he had a black stool. Apparently, before dying, the human body has to expel all the filth out of it. It was black liquid. On the third time, my father really passed away.

Looking back, I feel that by being there for my father, I prolonged the time he spent suffering without realising it. I felt I had to watch him die, and my judgement became more and more impaired as I nursed him without beaks. Just a hundred years ago, it would have made sense to show him mercy. And perhaps it was I, the eldest daughter, who had to do it. Love is also violence. We really loved our father.

Kyoko Ebata

〈展覧会情報〉

monade contemporary | 単子現代では、アーティスト江幡京子による「月の沙漠 | The Desert Moon」を開催します。

江幡はこれまで、世界各国で開催した高齢者の自宅室内の写真シリーズの展覧会、東チモールの若者に向けた写真ワークショップなどを行うなかで、人々の生と死をめぐる孤独と暴力に向き合ってきました。また最近では、自宅を他者との共同生活、作品制作における協働のスペースとする住み開きのプロセスを公開しながら、国家、地域、個人、そして自然とのかかわりのなかで生と死、あるいは新しい生存や生活のためのコミュニティのあり方を模索してきました。

近年、江幡は自身が撮影した父の看取りの録画を振り返りながら、父や家族とのかかわり、人の生死のあり方に目を向けた物語をショート・フィルムとして制作しています。本展は、江幡自身の父を失った悲しみを乗り越えるプロセスを観客と分かち合い、父や家族、生と死、そして今後の世界に向き合う喪の機会となることでしょう。愛は死と出合うときどのように暴力へと転化し、死とともに愛はどのように記憶を生かすことになるのでしょうか。喪失という契機から起こる、愛と暴力の叙情詩にご参加ください。

〈Exhibition Information〉

monade contemporary | 単子現代 is honoured to present The Desert Moon by artist Kyoko Ebata.

Kyoko Ebata has explored the loneliness and violence surrounding people’s lives and deaths through exhibitions of her photographs taken inside the homes of elderly people in various countries around the world, as well as photography workshops for young people in East Timor. More recently, she has been engaged in the process of opening her home to the public as a space for living with others and collaborating in the production of artworks, while searching for a new mode of life and death or community for survival and living in relation to the nation, region, individual, and nature.

In recent years, while reflecting on the video recordings of her father’s end-of-life care, Ebata has been creating short films that tell stories focusing on her father, experiences with family, and the nature of human life and death. The exhibition will be an opportunity for Ebata to share with the audience the process of overcoming the grief of losing her father and time of mourning to reexamine her lost father and family, life and death, then the world that comes in the future. How does love turn into violence as it meets death, and how does love keep memory alive along with death? Please join us for lyrical poetry in the moment of loss that wavers between love and violence.

<作品リスト| The Price List>

月の沙漠|The Desert Moon 2020-2022 ビデオ video

井戸鉤 Well Hook 制作年不明(形見)鉄 ion object

灰ならし Ashing 制作年不明(形見)鉄 ion object

花 Flower 2022-23 本、糸 book and strings

参加型インスタレーション (納屋から父の原発に関する古い本が出て来ました。あれだけ情報があったのに、福島の原発事故を起こしてしまったことは衝撃です。わたしたちはいつになったら学ぶのでしょうか?ギャラリーに訪れた方に本の好きなページを花の形に切り抜いていただいて、花の飾りを作ります)

Garden 2022 チョーク*窓の外の中庭にあります。

*窓から外に出ることが可能です。ハシゴを上がる時、必ず井戸鉤が引っかかるので、お気をつけ下さい。

初恋 First Love 父の古い写真、日記から引用したテキスト

*購入希望者の方にはタロットカードを引いていただきます。それに合わせてみずうみさんがタロット占いをして下さいます。

* To purchase a work on display about my father’s first love, you will be asked to draw a tarot card from a pack of major arcana and the card is corresponding to a work. Then Mizumi-san, the cafe owner of the gallery/a professional tarot-reader will give you a reading alongside minor arcana cards. 

The gallery is situated in the middle of Gion, the most exclusive geisha district in Japan. A cathouse is the neighbour of the gallery. The 1000 years of history of men and women astonished me. I couldn’t dare add any more words to the space. 

So I decided to change the plan of installation and chose the texts from my father’s diary (Sorry, Dad. You were too cute!) about his affection towards a young girl when he was 15 years old. He only spoke to her 3 times in the year.

I know it is impossible but even in the hardest time of our life, trying to keep love in your heart is important. And simple words like these are very important in a place like this.

写真 Photos 制作年不明  

1. 女帝|The Empress(キッチンの横の壁 上)

2. 力|Strength(キッチンの横の壁 中左)

3. 吊られた男|The Hanged Man(キッチンの横の壁 中右)

4. 恋人|The Lovers (キッチンの横の壁 下)

5. 月|The Moon(キッチン正面 左中)

6. 隠者|The Hermit(キッチン正面 右上)

7. 世界|The World(キッチン正面 右下右)

8. 運命の輪|Wheel of Fortune(キッチン正面 右下左)

9. 節制|The Temperance(キッチン正面 給湯器 上)

10. 死神|The Death(キッチン正面手前灰ならしの右)

テキスト Texts 1958年/2022年   

i. 1) 戦車|The Chariot(キッチン正面 左上左)

ii. 2) 愚者|The Fool(キッチン正面 左上右)

iii. 3) 女教皇|The High Priestess(キッチン正面 左中右)

iv. 4) 皇帝|The Emperor(キッチン正面 左下左)

v. 6) 悪魔|The Devil(キッチン正面 左下右)

vi. 5) 法王|The Hierophant(キッチン正面 右上左)

vii. 8) 星|The Star(キッチン正面 右中右)

viii. 11) 正義|Justice(キッチン正面 右中左)

ix. 10) 太陽|The Sun(キッチン正面 給湯器 中)

x. 9)  塔|The Tower(キッチン正面 給湯器 下)

xi. 7) 魔術師|The Magician(キッチン正面手前グラスラック)

xii. 12) 審判|Judgment(キッチン正面手前灰ならしの右)*大晦日に開けてください。

テキストは父が中学3年生から高校1年生の頃に書いた日記より抜粋したものです。この頃父は近所に住む年下の少女に恋をしていたようです。

1) 戦車

1月14日火曜 雨

恋の美しさというものを知った

又悲しさも

滝さんぼくは君が好きだ

一番好きだ

ぼくが君を好きになるのは自由だ

おれは勉強して強くなるぞ

えらくなるぞ

滝さん見てて下さい

2) 愚者

1月17日金曜 晴

ぼくは滝さんが好きだ

好きなものは好きだ

不良かもしれない

3) 女教皇

2月17日月曜日 晴

治子様

人間、苦労をしなければ立派な人間になれないと言われています

では苦労して立派な人間とはどんな人なのでしょうか

自分は度量しても立派な人間に慣れないのではないでしょうか

自分の生きていく道は自分で切り開いていかねばならないのです

自分の一生の計画を通すためには困難があるのです

そのまずはじめが今度の入試です

でも、まだこんなのは序の口です

4) 皇帝

2月19日水曜 うす曇

治子さん

私は今日二時間目から五時間目までの授業をさぼってしまいました

先生に捕まりお説教されました

勉強できる人が偉い人なのでしょうか

確かに勉強できなくてはだめです

しかし、そうばかりではない気がします

おやすみなさい

私の大好きな治子様

5) 法王

2月17日月曜日 晴

治子様

人間、苦労をしなければ立派な人間になれないと言われています

では苦労して立派な人間とはどんな人なのでしょうか

自分は努力しても立派な人間になれないのではないでしょうか

自分の生きていく道は 自分で切り開いていかねばならないのです

自分の一生の計画を通すためには

困難があるのです

そのまずはじめが今度の入試です

でも、まだこんなのは序の口です

6) 悪魔

3月5日水曜 晴

治子さん

本当のことを言いますと

今まで私の心の中の三分は

私のクラスの見矢木と言う人に奪われていました

しかし今日から治子さんが九分通り支配します

と言うのは

治子さんと話す機会が全然ありませんですので

ともすると色々な人が顔を出すのです

しかし全て治子さんのことで満たされるのも間近かと思っております

7) 魔術師

5月6日火曜

何もなかった(というのはうそだ)

8) 星

8月18日 月曜 晴

アメリカが月に向けてロケットを打ち上げた。

滝さん

9)  塔

8月24日

八王子において試合があった

あらよ

と負けてしまった

10) 太陽

8月27日水 晴

なんて気持ちが良い天気なんだろう

空の色、木の葉の間からさしこむ太陽の光、

それぞれに思い出がある。

小さい頃の記憶が蘇ってくる。

11) 正義

10月8日 水曜 晴

青木、てめえ、しっかりしろ

おれだって何も滝さんがどうっていうんじゃねえんだ

好きなことは好きなんだが、

昔を想い出しても、この方三年というもの口を聞いたのは唯一三回

てめえなんぞは一年間ツラをおがんでいたんじゃねえか

その間にもっとひきつけとかねえのがいけねえんだ。

だが、今少し待ってろ。

12) 審判

12月31日水曜

年越しイベントの時に開いてみてください。

アルコール Alcohol

上善如水 

みずのごとしの名前の通り、あらゆるものと調和して、するりと喉の奥へと落ちる。シンプルで清らかなお酒です。

『父の好きだったお酒です』(作家談)

サンピースウイスキー 

「サンピースウイスキー」は弘化3年(1846年)創業の宮崎本店が製造しています。戦後になって発売され、太陽の下で平和を謳歌できる喜びと願いを込め「サンピース」と名付けられました。輸入したモルトウイスキーとグレーンウイスキー、スピリッツをブレンドし、宮崎本店の酒造りに欠かせない地下150mから汲み上げる鈴鹿山系の超軟水の伏流水を使用しています。同社はホッピーとのセットでお馴染みの「亀甲宮焼酎」、通称「キンミヤ焼酎」を製造しています。従価税表記時代(1989年以前)には二級ウイスキーだったのではないかと思われます。マイナーチェンジはしていますが、その当時の日本の地ウイスキーの味を体感できるウイスキーではないかと言われています。

『日本のウィスキーらしい味がします。後味が悪いウィスキーです。何時間もひきます』(作家談)

ハーブティー  Heval Tea

ラブ  

リバイタライズ 

レモンジンジャー&マヌカハニー 

カモミール   

日本茶 Japanese Tea

ほうじ茶  

お茶うけ Sweets

服部製糖所 藍玉   

<タイトルの背景|The back ground of the title>

タイトルの『月の沙漠』は作詞:加藤まさを、作曲:佐々木すぐるによる日本の童謡から引用しました。父が亡くなった後、実家の洗面所の鏡にこの歌の歌詞が張ってありました。父が亡くなってから、母は一時お歌の先生のところにお稽古に行っていました。父を看病していた時、私が母に歌を歌ったらどうかと提案した時に、彼女の中から歌が出てこなかったことがあり、それでお稽古に通っていたのではないかと思いました。歌詞は「王子様とお姫様が駱駝に乗って沙漠をとぼとぼと行く」というもので、父の闘病が始まってからの二人の20年間を思い起こしました。

歌詞を書いた加藤まさをは大正から昭和初期に叙情的な挿絵画家として活躍したそうで、その後1927年にラジオ放送され、1932年に柳井はるみの歌唱で録音・レコード化され、童謡として広まったそうです。曲のタイトルは「砂漠」ではなく「沙漠」となっていて、曲の歌詞が千葉県の御宿海岸をモチーフとしており、乾いた砂ではなく、水分を含んだ海岸の砂であることを表現しているそうです。

また、王子と姫が二人だけで旅をしていたら、たちまちベドウィンに略奪される。砂漠で月が「朧にけぶる」のは、猛烈な砂嵐が静まりかけるときぐらいに限られる。などという歌詞に対する批判もあったようで、砂漠を見たことのないロマンチックな日本人が作った歌詞が、死の世界を知らないで想像している自分に重なりました。更に英語でDeart Moonを検索すると、また両親を思い起こさせる80年代の曲にあたり作品のタイトルが決まりました。

月の沙漠

月の沙漠を はるばると

旅の駱駝がゆきました

金と銀との鞍(くら)置いて

二つならんでゆきました

金の鞍には銀の甕(かめ)

銀の鞍には金の甕

二つの甕は それぞれに

紐(ひも)で結んでありました

さきの鞍には王子様

あとの鞍にはお姫様

乗った二人は おそろいの

白い上着を着てました

曠(ひろ)い沙漠をひとすじに

二人はどこへゆくのでしょう

朧(おぼろ)にけぶる月の夜(よ)を

対(つい)の駱駝はとぼとぼと

砂丘を越えて行(ゆ)きました

黙って越えて行きました

Desert Moon by Dennis DeYoung

“Is this the train to Desert Moon?” was all she said

But I knew I’d heard that stranger’s voice before

I turned to look into her eyes, but she moved away

She was standing in the rain

Trying hard to speak my name

They say first love never runs dry

The waiter poured our memories into tiny cups

We stumbled over words we longed to hear

We talked about the dreams we’d lost, or given up

When a whistle cut the night

And shook silence from our lives

As the last train rolled towards the dune

Those summer nights when we were young

We bragged of things we’d never done

We were dreamers, only dreamers

And in our haste to grow too soon

We left our innocence on Desert Moon

We were dreamers, only dreamers

On Desert Moon, on Desert Moon

On Desert Moon, Desert Moon

I still can hear the whisper of the summer night

It echoes in the corners of my heart

The night we stood and waited for the desert train

All the words we meant to say

All the chances swept away

Still remain on the road to the dune

Those summer nights when we were young

We bragged of things we’d never done

We were dreamers, only dreamers

Moments pass, and time moves on

But dreams remain for just as long

As there’s dreamers, all the dreamers

On Desert Moon, on Desert Moon

On Desert Moon, Desert Moon

クレジット

江幡定夫
江幡照子
江幡京子

撮影
江幡京子
山田沙奈恵

編集
山田沙奈恵
江幡京子

協力
F.アツミ
アビ
浅野智明
井出竜郎
宇多村英恵
大久保あり
大槻英世
岡本大河
後藤克史
鈴木愛
さくまはな
西村慎太郎
ジョン・L・トラン
ティム・バーンズ
株式会社 明研

父の看取りに関わって下さった全ての方々にお礼を申し上げます。

江幡京子

Credit

Sadao Ebata
Teruko Ebata
Kyoko Ebata

Camera
Kyoko Ebata
Sanae Yamada

Editor
Sanae Yamda
Kyoko Ebata

With
F. Atsumi
Abi
Tomoaki Asano
Tim Byrnes
Tatsuro Ide
Shintaro Nishimura
Katsushi Goto
Taiga Okamoto
Hideyo Ohtsuki
Ari Okubo
Hana Sakuma
Ai Suzuki
John L Tran
Hanae Utamura
Meiken Inc.

I would like to express my sincere gratitude to all the people for being by our side all through these challenging days and ensuring that we could say our goodbyes. Thank you so much.

Kyoko Ebata

Myanmar @House of Ebata

Burmese women artists are staying with us.ミャンマー人の作家さん達が泊まって下さってます。勇敢でエネルギーに満ち、光り輝くような美しさを持った方々で、毎日沢山の力をいただいてます。オンゴーイングでの展示は26日(日)までだそうです!The show at Ongoing is until Sunday. They are so brave, beautiful and full of energy! I am totally in love with them. We talked so much about the strange world we live in. Incredible experience. Thank you so much for staying with us😍

https://www.ongoing.jp/exhibition/?fbclid=IwAR15Drqwtbh0TwgVK7mv0nEXlk4ne-ucilRr8_EhXpPjsEBfy13Fnie81Bc

„alter|n|ative“ IG Bildende Kunst, Vienna

„alter|n|ative“
at IG Bildende Kunst (https://igbildendekunst.at/),

Crisfor (AT), Barbara Eichhorn (AT), Kyoko Ebata (JP), Mario Höber (AT), Urban Nomad Mixes (AT), Angelika Kaufmann (AT), Hanna Schimek/Ula Schneider/Andrea van der Straeten (AT)

The opening will be 9th of June, the show runs until 29th of September.

Breast milk and shit, Kyoko Ebata and Hanae Utamura

When a human being is born, the first thing they do is look for their mother’s white breast milk. When we die, we expel black stool from our bodies to cleanse our bodies before we breathe our last. For humans, the time towards the end of life may be the process of returning to the mother’s body.

Recently, Hanae Utamura became a mother and Kyoko Ebata has lost her father.

For two months, Ebata stared at her father, who was only suffering in living hell even though he was definitely on his way to death. In ancient times, she would have had to kill him to stop the suffering of her beloved father, but because she loved him, she wanted him to be there, and she just kept shedding tears.

When Ebata’s father was in very pain, he said “mom”. She was not sure if he was referring to his mother or his wife, but she, who had never been a mother, was shaken by the idea of a mother, and now, confronting her own mother, with whom she had been at odds for a long time. She feels a strange sense of change in their relationship, frightened of her mother’s death, frightened of being alone, and trying to rebuild connections with others.

Alongside Utamura’s own mother is supporting her father, she who has become a “mother” experiences pure love, pleasure and pain for her child, and struggles with the codependency of pain and healing, in which she devotes herself to the other person and supports the other person’s body, while being thrown around by the contradictions of modern society, which continues to polarize, repeat, and self-propagate the individual.

The beginning of life and the experience of death, which a person experiences once in a lifetime, is a world that has no memory and can only be perceived from the outside. While there must be countless stories, it seems that there are very few opportunities to talk about this today.

In the field of life and death, there are families and people who care for them. With the development of science and medicine, humans seem to be becoming more and more free, and the choices we have seem to be getting more and more confusing. And with the overflow of information, we seem to be more and more divided.

The United Nations issued a report on “human security,” reporting that although humanity has become economically prosperous, six out of seven people are insecure. And in the midst of the corona disaster, war has started again. What was it that we had built up?

Ebata and Utamura, now living in Japan and the US, are at a turning point in their lives. They make works about these issues while deepening their dialogues, examining the history of societies and countries from personal family relationships, reviewing the values and knowledge systems that modernization has promoted, and trying to rethink what the heck it means to live as human beings on this earth.

Green, House of Ebata

Monday 14 February – Sunday 13 March 2022

House of Ebata, Tokyo

https://houseofebata.wixsite.com/info

Open from 14h on Monday 14 February| 2月14日(月)14時より開場

Closing Talk on Sunday 13 March on Zoom| 3月13日クロージングトーク(Zoom)

Open by appointments for other days (Max 2 people per slot)| その他の日は予約制(一枠最大2名)

Opening Reception on Monday 14 February| 2月14日オープニング

Closing Talk on Sunday 13 March on Zoom | 3月13日クロージングトーク(Zoom)

Open by appointments for other days (Max 2 people)| 予約制(最大2名)

ジョン・チルバー|John Chilver www.johnchilver.co

江幡京子|Kyoko Ebata http://kyokoebata.com/

岩竹理恵|Rie Iwataki http://kataoka-iwatake.tank.jp/

サイモン・ウィレムス|Simon Willems simonwillems.com 

ダイアナ・ズルニク|Diana Zrnic https://dianazrnic.myportfolio.com/ 

House of Ebata happily presents the group show ‘Green’. The focus of the show is painting and especially the problem of how to start a painting. House of Ebata strictly specifies that all works in the exhibition will be green. The choice of green may be arbitrary. And the starting point of a painting may also be arbitrary.  

“[As in the example of Duchamp’s Pharmacy] painting at its most elemental and elementary was a colour decision. But the implications of any colour decision – given due weight – are emotionally and ontologically intense.” (John Chilver) 

If green is a decision, the exhibition asks what kind of decision it can be: as the determinant of the mood, feel, image, symbol, chemical and associations. Is green a unity or an infinite subdivision? Is the monochrome the ghosted polychrome? Is green sacred or salted? Proper primary or sneezing secondary? Is green there to calm our nerves? Or to get tuned up for an afterimage that will follow that we’ll say is red?  

‘Green’ combines works by experienced painters (John Chilver, Rie Iwatake, Simon Willems and Diana Zrnic) with a novice painter (Kyoko Ebata).

本グループ展『Green』は絵画に焦点を当て、そもそもどのように絵画描き始めるかという問題をテーマに、出品作家は作品を全て「緑」で作るように依頼された。緑色の選択は任意かもしれないし、絵画の出発点もまた恣意的であるかもしれない。 

『デュシャンの<<ファーマシー>>にも見られるように、絵画はその最も本質的で初歩的なところでは色の決定であった。しかし、どのような色彩の決定にもそれに適切な重要性さえあれば、感情的にも存在論的にも強烈な意味を持つ』(ジョン・チルヴァー) 

この展覧会で緑色で絵を描くことが決定事項であるとすれば、絵を描く上で他にどのような決定があり得るか問いかける。それは雰囲気なのか、はたまた、感触、イメージ、シンボル、化学物質、連想なのか。緑とは全体を統一するものなのか、それとも無限に細分化されたものなのだろうか。そして、モノクロームはポリクローム(多色)の中に潜む奇跡的な可能性なのか。緑は神聖な存在なのか、それとも人生のスパイスなのか。確固としたプライマリーカラーなのか、それともただのセカンダリーカラーなのか。緑は神経を落ち着かせるためにあるのだろうか、それとも緑を見た後の残像が赤であることを証明するために微妙に調整されるものなのだろうか?

そのような問いかけを踏まえ、本展ではいわゆる熟練した画家であるジョン・チルバー、岩竹理恵、サイモン・ウィレムス、ダイアナ・ズルニクの作品に加え、絵画の手法には初心者の江幡京子の作品を並べて展示する。

Special Thanks: 岡本大河|Taiga Okamoto, 中島 ふみえ| Fumie Nakashima, John Tran

<Artists>

John Chilver|ジョン・チルバー

Emily Rosamond Teaching the Remedial Class in Political Economy and Algorithm Studies,2017, John Chilver, oil on canvas, 30.5 × 25.4 cm

Starting a painting is no harder and no easier than starting any other kind of artwork: it begins with a sense of something lacking, which provokes a desire for something to be made and seen. This making doesn’t resolve the lack in any real way, but – if things go well – it alters its pressure.

In ‘Pharmacy’, Duchamp tried to reduce painting to a pure decision: just get any vaguely romantic landscape image and add 2 coloured dots. This was a negation of sorts. But it still feels like an affirmation. It’s a decision but interestingly for Duchamp it was still a decision about color.

Colour is transorganic, meaning it is of the mind and simultaneously of the world. It is also radically contingent and radically discontinuous. For example, we see brown as a colour, yet brown is nowhere to be found in the rainbow. In scientific terms, brown is a corrupted orange. But in the visual world we see brown and orange as equals. 

Duchamp’s lesson in ‘Pharmacy’ was perhaps that painting at its most elemental and elementary was a colour decision. But the implications of any colour decision – given due attention – are emotionally and ontologically intense.

絵を描き始めることは、他のメディアを描き始めることより難しいわけでもなく、かと言って簡単でもない。作ることでそこに不足しているものが解消されるわけではないが、うまくいけばその圧力を変えることができる。

デュシャンは彼の作品<<ファーマシー>>で、漠然としたロマンチックな風景画に、2色の点を加えるだけで、絵画を純粋な決定の結果に還元しようした。これは、ある種の否定であったが、それでもまだ肯定のように感じられる。興味深いことに、決定といっても、デュシャンにとってはそれは色についての決定だったのだ。

色は無機質である。それは観念的なものであると同時に世界に属するものであるということだ。それは完全に偶発的であり、不連続である。例えば、私たちは茶色を色として認識してるが、茶色は虹には存在しない。科学的に言えば、茶色はオレンジが変化したものだ。しかし視覚的な世界では、茶色とオレンジは対等に見える。

デュシャンの<<ファーマシー>>における教訓は、色の決定はおそらく絵画の最も基本的且つ初歩的なものであるということだった。しかし、色の決定が持つ意味は、適切な注意さえ払えば、感情的にも存在論的にも強烈なものとなる。

www.johnchilver.co

John Chilver is an artist and writer. His work orbits around painting, understood as a stage for scenes of agency and dispute, and styles of subjectivity. He invokes image-making as an unstable site of inquiry. Since the late 1990s he has exhibited and published widely. He studied philosophy at the University of Reading and art at Goldsmiths College, London. He lives and works in London.

Recent solo exhibitions have included Xero Kline and Coma, London, 2018; The Near Abroads, Atlas House, Ipswich, 2019; and The Scene of Instruction, Coleman Projects, London, 2021.

アーティスト/作家。レディング大学で哲学を、ゴールドスミスカレッジ(ロンドン)で美術を学んだ後、1990年代後半から、幅広く展示や出版を行い、ロンドンを拠点に活動している。作品は、主体性や争いの場面、主観性のスタイルの舞台として理解されている絵画を中心に展開され、イメージの制作を不安定な探究の場として様々なアプローチを試みている。近年の個展に「Xero Kline and Coma」(ロンドン、2018)、「The Near Abroads」(アトラスハウス、イプスウィッチ、2019)、「The Scene of Instruction」(コールマン・プロジェクト、ロンドン、2021)など。

江幡京子|Kyoko Ebata

Exploiting a friendship from John Chilver, <<Oak and Air>> 2012-2017, oil on panel, 40 × 40 cm, 2022, Kyoko Ebata (work in progress)

The Case of T&S 2020; Good Bye My Father, 2021~, Kyoko Ebata, digital video 11:41 and still pictures

若い頃、何度か絵を描いたことがあるが、今思えばそれは自撮りだったり、写真に写っているものを写したりしていたので、絵を描いていたというよりは写真を撮っていた、もしくはパフォーマンスをしていたと言った方がいいかもしれない。

絵画を見るのはとても好きなので、人生で一度ぐらいは絵画の世界を覗いてみたいと思っている。しかし、いざ描き始めようとすると、何から始めれば良いかわからなくなった。紙に赤い丸を描いたが、その次に何をしたらいいのか、それを自分が決めなければいけない。それは重すぎる責任だと感じた。普段作品を作るときは、何かイメージやコンセプトが頭に浮かぶか、実際に目の前に現れ、胸がどきんとし、だいたいそれが作品になる。

そこで、いつも他の作品で自分がやっているように、参加者であるジョン・チルバー氏の真摯な友情を「搾取」することから始めてみることにした。以前、彼の作品の一部をガラケーで見た時、それが作品の一部だと気づかずに素晴らしいと思ったことがあった。今回、その絵の一部を模写することから絵画の世界に足を踏み入れてみることにした。

ちょっと描いてみたが、写真と違って搾取するのは大変だ。「芸術作品を選択することと創造することは同じになっている」というが、ウェット・オン・ウェットという手法は生活習慣に似ている。また、家事にも似ている気がする。家事は「この場所はこう保たれるべき」という自分の基準があり、それを保つために、常に作業をする。絵も「この絵はこうあるべき」という自分のイメージに合わせるために、決まった時間に決まった手順で動かなければならない。気分が乗るまで待っていると、絵の具が固まってしまう。やる気がでるまで待っているわけにいかない。やる気がなくても、体を動かさなけれないけない。ある意味、健康的に生活するための習慣みたいなものだろうか。外からの刺激に反応するわたしの制作方法と相反する気がする。

When I was very young, I had made some paintings, and looking back they were selfies and also copying a sight which I see on photographs, so I would say I was taking pictures or performing rather than painting. 

I enjoy looking at paintings very much and I would like to look into the world of painting at least once in my life. However, when I wanted to paint, I didn’t know where to start. I drew a red circle on paper, but then I had to decide what to do next. I felt it was too much responsibility. Usually when I make a piece of work, I have an image or a concept in my head, or it just appears in front of me, and I feel a pang. Then it usually becomes a work of art.

So I have decided to start by ‘exploiting’ the sincere friendship of the participant, John Chilver, as I always do in other works. I had once seen a piece of his work on a mobile and thought it was wonderful, without realizing that it was only part of the work. This time, I’m going to try to enter the world of painting by copying the part of that painting.

I tried to draw a bit, but unlike photography, it’s very hard to exploit. The wet-on-wet approach is similar to a way of life. I think it is also similar to housework. In housekeeping, you have your own standard, “this place should be kept like this”, and you always work to maintain it. In painting, you have to work at a certain time and in a certain way in order to match your image of what the painting should look like. If I wait until I’m in the mood, the paint will harden. I can’t wait until I feel motivated. You have to move even if you don’t feel like it. In a way, it’s like a habit to live a healthy life. It’s contradictory to my way of making things, which reacts to external stimuli.

http://kyokoebata.com/

アーティスト。東京出身、ロンドン大学ゴールドスミス校卒業。グローバル社会、大都市での生活、戦争と平和、デザインとタブー、記憶と場所、高齢者社会、東日本大震災、環境問題、家族、愛情などをテーマに生活者の目線から時代を表現する。現在は国立市の庭付古民家をプロジェクトスペースに、制作やキュレーションを行いつつ、国内外で発表している。主な展覧会・賞与に「横浜トリエンナーレ2020」、「Volcana Brainstorm; 江幡京子展」、「The Perfect Day to Fly」(ギャラリー・ハシモト、2018)、「あいちトリエンナーレ2010」、「現代美術展企画コンペ」、「現代美術地中海ビエンナーレ2010)、「カルチャー・オブ・フィアー」、「Halle 14」(2006)、「MEDIARENA:日本の現代美術」(the Govett-Brewster Art Gallery、2004)、「ヤング・ビデオ・アーティスト・イニシアティブス」受賞(森美術館準備室、2002)がある。

Kyoko Ebata is a Tokyo based artist, studied in Geneva and Oxford for schools, and graduated from Goldsmiths’ College. Ebata works on diverse projects in various mediums around her everyday life including global society, life in metropolis, war and peace, design and taboo, memory and place, aging society, the Great East Japan Earthquake, environmental issues, family and love. Currently, Ebata runs a project space at an old Japanese house in Tokyo showing a contemporary international programme. She has exhibited widely and received prizes as an artist. Key exhibitions include: Volcana Brainstorm, Yokohama Triannual 2020; The Perfect Day to Fly, Gallery Hashimoto, 2018,; Aichi Triennale 2010 Curatorial Exhibition Competition, Culture of Fear, Halle 14, 2006; The First Mediterranean Biennial of Contemporary Art, MEDIARENA: contemporary art from Japan, the Govett-Brewster Art Gallery, 2004; Young Video Artist Initiatives, Mori Art Museum, 2002

岩竹理恵|Rie Iwatake

Atopon;No place|場所をもたない,2019, Rie Iwatake, archival pigment print on paper, 75 × 60 cm

作品のタイトル<<Atopon (場所をもたない) >>は、ギリシャ語で動と静のあいだにある奇妙なもの「瞬間」を意味する。

一枚の風景の像を分割して、それぞれの部分の印刷の粒子の大きさを変えることで遠近感の異なる像を組み合わせたような効果が起きている。視点が固定された一点ではなくて時間と距離の流動的な視覚経験を表している。

遠ざかれば風景があらわれて近づけばインクと紙に還元する、画像空間と画材空間が同一画面上で並列な関係にある。

見える-見る-見える-見る、観察することと認識することは補完しあったり邪魔しあったりする。連動する流れのなかで見えることと見ること、そのあいだには見ている主体だけが見える/見る映像体験がある。

The title of the work, Atopon (having no place), is a Greek word meaning a strange thing (moment) between motion and stillness.

By dividing an image of a landscape into sections and changing the size of the print particles in each section, the effect of combining images with different perspectives is created. The point of view is not a fixed point, but represents a fluid visual experience of time and distance.

There is a parallel relationship between the image space and the art material space on the same screen, with the landscape appearing as you move away and reducing to ink and paper as you approach.

To be able to see/to see/to be able/ see, observing and perceiving complement and interfere with each other. In the interlocking flow of seeing and looking, there is a visual experience that only the subject who is looking can see/see.

http://kataoka-iwatake.tank.jp/

神奈川県在住。金沢美術工芸大学工芸科卒業、筑波大学大学院芸術専攻を修了後、ペルーやパリ、横浜、台湾など様々な場所を移動しながら作品を制作・発表してきた。片岡純也とのユニットでの発表が多く、キネティック作品と平面作品を組み合わせた空間構成が特徴的で、素材や図案の出会いに物語を生み個々の作品の題材がゆるやかに響きあう手法を使う。近年の展覧会に「MOTアニュアル2020 透明な力たち」(東京都現代美術館、2019)、「二つの心臓の大きな川」(アーツ千代田 3331、2017)、「BankART U35 Junya Kataoka+Rie Iwatake」(BankART Studio NYK、2017)、「PyeongChang Biennale 2017」(韓国、2017)など。

Rie Iwatake lives and works in Kanagawa, Since graduating from M.A. Art and Design Science, University of Tsukuba, Ibaraki in 2006 and B.A. Textiles, Department of Craft, Kanazawa College of Art, Ishikawa, she has traveled to make works in many locations including Peru, Paris, Yokohama and Taiwan. She often works as a unit with Junya Kataoka, combining kinetic and two-dimensional works in a spatial composition that creates a narrative in the encounter of materials and designs, and in which the subject matter of each work is gently echoed.Recent exhibitions include “MOT Annual 2020 Invisible Powers” Museum of Contemporary Art Tokyo, Tokyo in 2020; Big Two- Hearted River, 3331 Arts Chiyoda, 1F 3331 Gallery, Tokyo in 2019; “BankART U35, Junya Kataoka+Rie Iwatake” BankART Studio NYK, Yokohama, “PyeongChang Biennale 2017” Gangneung, South Korea in 2017.

サイモン・ウィレムス|Simon Willems 

‘Untitled (Dance/Work) 1, 25 x 40cm, Oil on Linen 2021
‘Untitled (Dance/Work) 2, 25 x 40cm, Oil on Linen 2021

Green (Expand Monochrome)

Cast your eye to the left and the colour hovers between snooker table felt and AstroTurf, a brief entry of artifice that shouldn’t really work. Rebelling in the lower region of the painting, the riverbank in Morning Mist at Anderlys is a curious proposition: pitching green against green. It’s not just the colour, willing itself towards neon that appeals, when the cartoon graphics so characteristic of Felix Vallotton elsewhere (anticipating Hopper and Katz), accentuate this tension. Move to the right and the surface fogs – like Whistler’s Nocturnes – Green Earth and White stilling the river through a yellowing glaze. Except there’s a bluing in the mix, a mineral effect, and it’s hard to discern whether Oxide of Chromium or Pthalo are to blame. Either way, lime holds sway (Cinnabar Green, to be precise), marshalling the trees in the mid-distance.

ジェームズ・マクニール・ホイッスラーの絵から目を左に移すと、スヌーカーテーブルのフェルトと人工芝の間をふわっと行き来する色があり、本当はうまくいかないはずの技法が一瞬だけ現れる。

<<Morning Mist at Anderlys>>の下の方にある川岸は、緑と緑をぶつけ合うような不思議な試みをしている。このネオンに向かって進んでいく色彩だけが魅力なのではなく、フェリックス・ヴァロットンの特徴である(ホッパーやカッツを先取りした)漫画のようなグラフィックが、この緊張感を際立たせているのである。

右側に移動すると、表面が曇り、ホイッスラーの<<夜想曲>>のように、黄ばんだ釉薬によって「緑の大地」と「白」が川を静止させる。ただし、この作品には青みがかった鉱物の効果があり、酸化クロムなのかプタロなのか、その原因を見分けるのは難しい。いずれにせよ、ライム(正確にはシナバーグリーン)が中景の木々を支配している。

Nocturne in Blue And Silver, 1875-80, James Abbott McNeill Whistler

Morning Mist at Anderlys, 1917, Felix Vallotton 

Afterthought: Picasso’s Blue Period strikes a chord not so much because blue is the signature, as to how this is achieved. Whether you’re looking at The Old Guitarist, Two Women at a Bar, or The Blue Room, what is primary is not the idea of monochrome as a point of singularity, so much as a space of difference, fuelled by the possibility that blue is a range as much as a given pigment. All hues are up for grabs, that is the point: monochrome doesn’t have to mean Gerhard Richter or Mark Tansey. Navigate the surface of any one piece and you’ll find Cerulean, Prussian and Cobalt, not to mention complementary earths, in all manner of applications.

補足:ピカソの「青の時代」は、青が特徴的だからというわけではなく、それがどのように達成されたかという点が印象深い。<<老いたギター弾き>>、<<酒場の二人の女>>、<<青い部屋>>のいずれを見ても、重要なのは、モノクロームが特異であるというよりも、青が特定の顔料であると同時に多様であるという可能性による差異の空間であることだ。モノクロームがゲルハルト・リヒターやマーク・タンシーを意味するものではない。どの作品の表面も、セルリアン、プルシアン、コバルト、そしてもちろん補色のアースカラーが、あらゆる用途で使われている。

The Old Guitarist, 1903/1904.Pablo Piccaso

Two women sitting at a bar, 1902, Pablo Picasso

The Blue Room, 1901, Pablo Picasso

simonwillems.com 

Simon Willems is a London-based artist. He is currently a British Academy Postdoctoral Fellow at the University of Reading (UK), where he completed a practice-based PhD in Fine Art in 2019, having graduated from the Painting School at the Royal College of Art in 2000. He has shown widely in both solo and group exhibitions throughout Europe and North America, including solo exhibitions at Torrance Art Museum (Los Angeles), FRAC Auvergne (Clermont-Ferrand), Elephant West (London), Galerie Polaris (Paris) and Wallspace (New York) His work has featured and been reviewed in Flash Art, Art Review and Elephant Magazine amongst other publications, and was included in the survey painting publication, A Brush with the Real:Figurative Painting Today (Laurence King Publishing). Willems has written and published articles in the Journal of Contemporary Painting, the Journal of Organizational Aesthetics and the painting journal Turps Banana.

ロンドンを拠点に活動するアーティスト。2000年にロイヤル・カレッジ・オブ・アートのペインティングスクールを卒業し、現在はレディング大学(イギリス)のブリティッシュ・アカデミー博士研究員として、2019年にファインアートにおける実践ベースの博士課程を修了。トーランス美術館(ロサンゼルス)、FRAC Auvergne(クレルモンフェラン)、Elephant West(ロンドン)、Galerie Polaris(パリ)、Wallspace(ニューヨーク)での個展をはじめ、ヨーロッパと北米の各地で発表している。作品は『Flash Art』『Art Review』『Elephant Magazine』などの出版物で紹介され、絵画の研究書『A Brush with the Real: Figurative Painting Today』 (Laurence King Publishing) で紹介された。また、『Journal of Contemporary Painting』、『Journal of Organizational Aesthetics』、絵画専門誌『Turps Banana』に執筆している。

Diana Zrnic|ダイアナ・ズルニク 

Time Does That, 2022, Diana Zrnic, 80 X 70 cm, Oil on canvas

Is painting an overly chewed bubble gum that lost its flavour? It became almost radical to push  the pigment over the flat surface in the last few decades, criticized as old-fashioned,  commodifying, or irrelevant. The fact that painting is in its most usual form flat like the screens  in our pockets and on our tables makes one wonder whether the oldest art form, questioned to  the point of crucifixion unlike any other, is in fact the most relevant in relation to the context  of vast digital networks. Often contrasted rather than compared for the obvious physical/digital  differences, paintings and screens are, all in all, both portals offering the clashing of realities in the strong illusory conjunction between real and projected spaces.

Simultaneously shrinking and stretching space of the mind and the surroundings, painting and  the Internet pose a question of where we see things being real. In constant search for bits of  that real, even in the unreal, we are looking for something that resonates or vaguely resembles  our sense of existence, genuineness, relevance, and importance. 

While offering spaces we cannot touch or step into, paintings and screens are still excellent  hosts. Although physically fragile, they have the strength to put up with any content we lay on them. Resilient to stories, figures, crazy ideas, good or bad antithesis, they testify to there being  no actual or absolute truths by offering a variety of possibilities. 

With painting, the key notion is that of the frame and what fits inside. Constraints are essential  to the very existence of painting as it depends on the limits of the object it inhabits and the  architecture it becomes a part of. Contemporary painting means pushing against some  constraints while working along with others. While a rejection of the weight of painting in the  80s was an inspection of what painting is and what taking pleasure in the paint is, today, it is  not so much about rejection as it is about arriving and departing in different directions.  

Although always present, stripped of its prominence by consciously holding onto its own  materiality, painting is coming back, and the world is flat once again!

絵画とは噛みすぎて味を失ったガムなのだろうか。ここ数十年の間に、顔料を平らな表面に押しのばすことはほとんど過激でさえあり、古臭く、商品を制作するもので、アートとはなんの関係もないと批判されるようにさえなった。絵画が私たちのポケットやテーブルの上にあるスクリーンのように、最も普通の形で平面であるという事実は、他のどんなものとも違って磔になるまでに問われた最も古い芸術形式が、実は巨大なデジタルネットワークの文脈との関連において最も適切ではないだろうか?絵画とスクリーンは、物理的・デジタル的な違いから比較されるよりも、むしろ対照的に扱われることが多いが、結局のところ、現実空間と投影空間の間の強い錯覚の中で、現実の衝突をもたらす出発点でもあるのだ。

絵画とインターネットは、心や周囲の空間を縮めたり伸ばしたりしながら、どこに現実があるのかという問いを投げかけている。非現実の中にさえも現実の断片を探し求め、私たちは自分の存在感、純粋さ、関連性、重要性に共鳴するもの、あるいはぼんやりと似たものを探している。絵画やスクリーンは、私たちが触れたり足を踏み入れたりすることのできない空間でありながら、優れたホスト役を担っている。物理的には壊れやすいが、どんなコンテンツを載せても耐えられる強さがある。物語、人物、奇想天外なアイデア、善悪のアンチテーゼに耐え、様々な可能性を提供することで、現実や絶対的な真実が存在しないことを証明してくれるのだ。

絵画の場合、重要なのはフレームとその中に収まるものという概念だ。絵画の存在には制約が不可欠であり、それは絵画が宿る対象やその一部となる建築物の限界に依存している。現代絵画とは、ある制約に抗いながらも、他の制約と共存していくことを意味する。80年代の絵画の重さに対する拒絶は、絵画とは何か、絵の具に喜びを感じることとは何かを点検することだったが、今日では、拒絶というよりも、異なる方向への到着と出発を意味するようになった。 

常に存在しながらも、意識的に自らの物質性を保持することで突出した存在感を剥奪された絵画は、再び世界をフラットにして戻ってきたと言える。

https://dianazrnic.myportfolio.com/

Diana Zrnic, born in 1995 in Zagreb, is an emerging artist living and working in the UK. She  completed her postgraduate degree MFA Fine Art at Goldsmiths, University of London, in  2021 after graduating from the Academy of Fine Art in Zagreb in 2018. Zrnic attended three  residency programs; in Barcelona, Berlin, and Lapua, which resulted in group and solo  exhibitions. Most recent shows include Grads Now at Saatchi gallery in London and the 6th Biennial of Painting at HDLU in Zagreb. Mainly working with paintings and sculptures, her  latest work explores notions of hybridity, simultaneity, and displacements of our lives and  world. Imagery seen in her work deploys experiences of disparate forces, the reality of being  implicated in an excessive number of processes at various scales and how, in a material sense,  the body is the co-processor of digital information.

1995年ザグレブ(クロアチア)生まれ。2018年ザグレブの美術アカデミーを卒業後、2021年ロンドン大学ゴールドスミス校の大学院MFAファインアート課程修了。イギリスを拠点に、主に絵画と彫刻を制作している。最新作では私たちの生活や世界の混成性、同時性、変位といった概念を探求している。作品に見られるイメージは、異質な力の経験、様々なスケールで過剰な数のプロセスに関与している現実、そして物質的な意味で、身体がデジタル情報の共同処理者であることを表現している。近年の展覧会に「Grads Now」(サーチ・ギャラリー、ロンドン)、「第6回Biennial of Painting」(HDLU、ザグレブ)など。

Contact info(a)kyokoebata.com for direction to House of Ebata and appointments.

House of Ebataへのアクセス、予約についてはinfo(a)kyokoebata.comにお問合せ下さい

The Case of T&S 2020; Good Bye My Father

お父さん、さようなら 

<<The Case of T&S; Good Bye Father>> was shown as a result of works shop which I was invited as a guest work shop a guest workshop leader on martial arts to investigate a relation between love and violence through working with martial art groups in Dili.

I was not sure what I could show next to the performance of violence by people from Timor-Leste. Only violence I can think of is that our family decided to watch my father’s death at home last year, and he suffered so much at the end of his life.Living in Japan, I don’t really see real violence in everyday life, rather violence does not take physical form anymore. For some people violence is a form of communication and entertainment, or we talk about harassment all the time. Japan is more or less in a peaceful state but I feel how we humans are helpless. We need to keep making new friends and learn from each other.

東ティモールでのワークショップの間、私自身は本を読んだり、ずっと家のコンピューターの前で彼らと話し続けるだけで、結局暴力については何も学んでいないと思います。展示の時に、東ティモールのパワフルな作品の横では何を見せればいいのかわからなくなりました。

唯一の私が思いつく暴力といえば、昨年、私の父の死を家族で自宅で看取ったことです。父は人生の最後にとても苦し見ました。ビデオ作品<The Case of T&S 2020; Good Bye Father|お父さん、さようなら>>では父の最後の息を引き取るところを見せました。 

父は22年間の闘病生活の後に急性癌で余命二週間と言われながら、2ヶ月間窒息死を防ぐため毎日チューブで肺から痰を吸い出され、苦しみ抜いて亡くなりました。家族の私達の彼に生きて欲しいという愛情はある意味暴力であり、父はすぐにでも死にたかったと思うが、私達への愛情のために生き抜き最後を迎えました。

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A Photography Exhibition’7,610-kilometer Distance: Finally, We’ve Met One Another’byREKREATIF photographers from Timor-LesteFine art students from Silpakorn Universityand Kyoko Ebata, a guest artist from Japan1-24 AprilPSG Art GallerySilapakorn University, Bangkok


  • About the new video work in progress

Kyoko Ebata’s father died of advanced cancer after a 22-year battle with the aftereffects of a brain hemorrhage. Due to the Corona disaster, her family decided to take care of him at home.

With so little information, Ebata was not able to make rational judgments as she stayed next to him day and night, thinking that she had to say goodbye to him at the moment of his death.

Tasting the pain of not being able to help someone who was suffering in front of you and the fear of having their life or death in our hands, we hardly left his side for two months, watching him dying, saying goodbye twice, and the third time he really went.

The love of his family for him to live was violent in a way, and he would have liked to die right away, but because of his love for his family, he survived and met his end. The regret that everyone must feel is that there must have been another way to make him feel better, and it is important to tell the story of his death to the next generation.

The “end-of-life care” that is currently being promoted in the Corona disaster is completely different from the great deaths welcomed by large families in pre-modern times, and completely new from the “end-of-life care” at home in today’s nuclear family-oriented society. We need more knowledge and an auditing system.

While there are still people who see it as unavoidable to kill those who do not want to die if it is war, those who want to die have no right to die. How to deal with this contradiction only adds to the confusion. Have we changed in any way? Have we become happier? I feel the need to know more about death.

The end-of-life care of her father was also an opportunity for her to reflect on her mother, with whom she had a long history of disagreements and had hardly spoken to for over 20 years. She discovers her mother’s complex and deep love for her father, and is perplexed by the reality that her mother, who has lost her father as a guardian, is gradually accepting that her daughter is becoming a guardian as she ages, but Ebata feels that aging is gradually creeping up on her as well.

While having conversations with Utamura, who is raising her child, about life and death, love and sorrow, she also feels the importance of sharing these experiences with many people.

Currently, Ebata is working on a documentary about her father’s end-of-life care and a film about life and death based on her research of folk traditions passed down from generation to generation, centering on the old well in the house where her father grew up.

江幡京子の父は22年間、脳出血の後遺症の闘病生活の後に進行ガンで亡くなった。コロナ禍のせいもあり、家族で自宅で看取ることになった。

江幡の父は余命二週間と言われながら、二ヶ月間窒息死を防ぐため毎日チューブで肺から痰を吸い出され、苦しみ抜いた。あまりの情報の少なさに、看病した側も父の死の瞬間にさよならを言わなければならないと、昼も夜も隣につきっきりになりながら、正常な判断ができなくなっていった。

苦しんでいる人を助けてあげられない苦しみ、自分の手に相手の生死が任されるという恐怖を味わいながら、私たちは2ヶ月間父のそばをほとんど離れずに死んでいく父を見つめ、二度さよならをし、三度目に父は本当に亡くなった。

家族の私達の彼に生きて欲しいという愛情はある意味暴力であり、父はすぐにでも死にたかったと思うが、私達への愛情のために生き抜き最後を迎えた。他にもっと父を楽にさせてあげる方法があったのではと、きっと誰もが感じるであろう後悔に、次の代へこの死にまつわる話をもっと引き続いていくことの重要性を感じている。現在コロナ禍の中で進められている「看取り」をするには、近代前の大家族で迎える大往生とは全く違うもので、核家族化した現代社会での自宅での「看取り」とは全く新しいものである。私たちはより多くの知識と監査体制が必要である。

戦争であれば、死にたくない人を殺すのはやむを得ない事だと見なす人が現在も存在する中、死にたいと思っている人は死ぬ権利がない。この矛盾にどのように向き合えば良いのか混乱が深まるばかりである。私たちはどこか変わったのだろうか?より幸せになったのだろうか?死についてもっと知る必要があると感じる。

それと同時に父の看取りは、長い間不仲で20年以上ほとんどまともな対話をして来なかった母を見つめ直した機会でもあった。彼女の父に対する複雑で深い愛情を発見し、庇護者である父を亡くした母が、老いとともに娘が庇護者となっていくことを少しずつ受け止める現実に戸惑いつつも、自分自身にも少しづつ老いが忍び寄っているのを感じている。

そして、死だけを見つめ、怯え苦しむだけではなく、希望を繋いでいくことの大切さを実感し、子育て中の宇多村と生と死、愛情と悲しみについて会話を重ねつつ、これらの体験を多くの人々に伝えることの大切さを噛みしてめている。

現在江幡は父の看取りのドキュメンタリーと、父の育った家にある古井戸を中心とした古くから伝わる民間の伝承のリサーチを元に生と死の物語の映像作品を制作している。

Workshop for Young Timorese Photographers

Martial art performance photography

Workshop: Nu’udar Ema; How do you cope with being a human?

REKREATIF and KYOKO EBATA 

22-26 February 2021 

Online/Timor Leste and Japan https://grant-fellowship-db.jfac.jp/ja/grant/cc1935/

Online/Timor Leste and Japan

www.timorthaiphoto.com

Catalogue

workshop reference

©︎Silvestre Rudiyanto Soares

Exhibition opening Wednesday 31 March 2021, 15:00, PSG Art Gallery Faculty of Painting, Sculpture, and Graphic Arts, Silpakorn University, Exhibition period1-24 April 2021 10:00 – 18:00, Closed on Sundays, Mondays and Public Holidays

先日、ゲストワークショップリーダーとして、東ティモールで若い写真家のためのワークショップを行いました。コロナ禍のため遠隔地で行う方法を見つけなければなりませんでしたので、普段はやらないことをすることにしました。普段の私の作品には日本の女性アーティストとしての強い自我がうるさいぐらいに見え隠れしているので、今回は男性にしかできないことをするチャンスだと思いました。

そこで、最初はプロレスをしながら写真を撮ることを提案しました。東ティモール危機の悲しい歴史は、アーティストのアイデンティティーの強いオーラとなるでしょうし、身体性を通して考えることは、心と身体の調和を図るという武道の重要な部分であり、今は誰もが家に閉じこもっていなければならないコロナ禍の中で、誰もが強く感じていることです。

それが、現在東ティモールでは失業者が多いこともあり、マーシャルアートがストリートギャング化し社会問題となっていたのです。しかし、彼らに愛と暴力の関係を考えるためのワークショップであることを説明し、最後にはREKREATIFsが、対立する2つのグループの武術家同士で、撮影のために戦いを演じてもらうにいたりました。これはギャング同士の和解の一歩であると同時に、写真には、危機後に政治権力から身を守りつつ、社会の結束を求める人間の姿が映し出されているように感じます。

©︎Hipolito Da Silva Baptista

https://drive.google.com/file/d/17MVHB1h7faC_ZLwtrDYwN1_5zNs10Ky8/view?usp=sharing

“The virtue of all-in wrestling is that it is the spectacle of excess. Here we find a grandiloquence which must have been that of ancient theaters. And in fact wrestling is an open-air spectacle, for what makes the circus or the arena what they are is not the sky (a romantic value suited rather to fashionable occasions), it is the drenching and vertical quality of the flood of light. Even hidden in the most squalid Parisian halls, wrestling partakes of the nature of the great solar spectacles, Greek drama and bullfights: in both, a light without shadow generates an emotion without reserve.” R. Barthes, Analysis of wrestling from “Mythologies”

Goal: Understanding the culture of the participants with critical thinking and appreciate beauty and humanity

Definisaun: saida mak Arte Marsiais? / What is Martial Arts?

Historia: halo referensi ba realidade iha Timor / Reality in Timor-Leste

Solusaun: Dame/ Peace and  Unity

Workshop Reference https://docs.google.com/presentation/d/1C03bGlKP-yFfV8C1OMPfqomtZKphOqbcX5dLZjgSmWY/edit#slide=id.p 

To study love and violence in human nature, REKREATIF, a collective of young Timorese photographers will study forms of martial arts and document the movement each other as central players of the free practices and spectators of the practices. https://www.facebook.com/groups/rekreatifmedia

https://www.sfcg.org/wp-content/uploads/2014/10/Report-Art-Martial-for-Policy-Briefing-.pdf

ASK YOURSELF…

Make something NEW

that only a contemporary Timor-leste can make.

Why there is the issue with martial arts groups in Timor-Leste?

A tradition is often created to unite a group of people. 

What is tradition to you?   

Investigate your feeling while the performance.

Do you also feel affection as well as excitement and anger?

War is there because of love, 

you love somebody so you protect him/her. 

That is the beginning.

We need to control the violence in ourselves,

that is why we made society and institutions.

How can we love our neighbour? 

©︎
Acacio Pinto

Silvestre Rudiyanto Soares

Hipolito Da Silva Baptista

Silvestre Pires Castro

Rofino Leandro Ferreira

Background

“There is a miracle in every new beginning.”  Hermann Hesse

Because of the Covid 19, we had to find a way to do the workshop remotely. I wanted to take this challenge into a chance to do something that I don’t usually do. Every work of mine always has my strong ego as a female Japanese artist. 10 out of 11 participants in the workshop are men. I thought this is a chance for me to do something that only boys can do.

I never really had a problem being a woman,  but sometimes I felt I can’t join the boy’s club, like pro-wrestling  in school (Yes, it was the 80’s). I couldn’t help myself to stop them and I was called Eba-police, which comes from a children’s TV show combined with my surname Ebata. I envied the boys talking about their secret base. They seem to warm friendship through pain as a sign of accepting each other.So I wanted to propose a project that only boys can do.

Learning about The 1999 East Timorese crisis, it seems to be appropriate to do something about violence , not to celebrate and as a disaster tourism, but to understand what is violence. A primitive violence can be a tool of communication and the physical power has been celebrated throughout human history. A love towards beauty, power usually encourages desire of possession and leads to violence. But love can survive as a noble mind.

It is great to have peace, in Japan physicality including violence becomes more like a fantasy rather than reality. But there is a downside of higher suiside rate and lower childbirth rate. To not have real space and real small violence, things can go crazy.

The sad history of the East Timorese crisis can be strong aura of the identity of the artists, and to think through physicality is very important part of martial arts, to have harmony in mind and body, which all of us feel strongly during the Covid 19 where everybody has to stay at home at the moment.

When I proposed the idea to the participants, they were shocked, saying it was dangerous. Apparently the martial arts groups are a hot issue in East Timor at the moment. It was a kind of miracle that I pointed out the important issue. 

Near the end of his last book Chaosmosis (1993), Félix Guattari asks: ‘how do you bring a classroom to life as if it were a work of art?’ For Guattari, art is an endlessly renewable source of vitalist energy and creation, a constant force of mutation and subversion. He lays out a tripartite schema of art’s development, arguing that we are on the brink of a new paradigm in which art is no longer beholden to Capital. In this new state of affairs, which he names the ‘ethico- aesthetic paradigm’, art should claim ‘a key position of transversality with respect to other Universes of value’, bringing about mutant forms of subjectivity and rehumanising disciplinary institutions. Transversality, for Guattari, denotes a ‘militant, social, undisciplined creativity’; it is a line rather than a point, a bridge or a movement, motored by group Eros.

In other words, I would like to investigate  love and violence in human nature with REKREATIF  studying physicality and emotion through forms of martial arts. Although I need more research I could somehow understand this martial arts movement needing to protect themselves among different political powers and after the crisis, and low employment rate of course. However I hear that there are positive sides of this group that they are uniting the community.  Young people are full of  energy. After all an martial arts suppose to unite body and soul. The energy of people is so attractive. 

I don’t consider workshop as a form of education, for me it is just making a project together as usual. But after I spent time talking to each participant and learnt a lot, it reminded of the do famous Paulo Freire’s education as a practice of freedom (educacao compo praticia) a little and made me like the idea of workshop. I am excited to see from this beautiful island East Timor.

– Kyoko Ebata, Tokyo,  17 February  2021

In the End

Through the Covid 19, I made a lot of  good friends without meeting in person from a country where the sun rises and  in same time zone as Japan but in completely different season. I feel I know them and I can trust them. What an interesting world. Although in terms of violence, I didn’t learn anything, I think. I only learned through conversation, book and photographies. I even admire them looking at the pictures that the participants took. I am not sure how I would feel  I were there in Timor-Leste. I guess there are things that we cannot learn without being there.

Through the workshop, we tried martial arts performance in a kind of mockumentary, and even invented one dancing like technique which I would like to call REKREATIF Dancing Puch (please collect me if is not cool) if no one object. One of the REKREATIF member succeeded invite a person from  different martial art group, which seems to be quite a difficult thing. I see this is as a kind of symbolic gesture of friendship of mart art groups in dispute, and very proud of them. 

Other discovery was that there are ao many strong women in Timor-Leste. The women there are so beautiful and healthy. The recent trend of plus size fashion models, they really should use the women from Timor-Leste, they look happy, beautiful proud and strong. Maybe this is another fantasy I build up from the pictures and not from the reality by not being there. I see so many possibility here where a democracy has just starting to grow and makes me excited..

But if they are interested, perhaps the performance can be developed into Capoeira, Afro-Brazilian martial art that combines elements of dance, acrobatics, and music. Or if there are next time for me to visit Timor-Leste, I would like to do something about dance that I like, exchanging  denser representatives from each tribes and learn another style from different tribe and have a dance festival. 

In the show we could only show a few works, I tired to show different emotions in the model, passion, pain, excitement, concentration, cares and affection. So pictures with similar expression were turned down, but it does not mean they are not good picture. REKREATIF produced many good pictures in very short time. And without  the members like Janicia and Binsar who helped for translation and solved communication problems, we could not do this workshop. Also in the first one on one interviews with all the members of the participants, I feel very welcomed especially there was one who brought his family support our challenging project. I learned about the history between Timor-Leste and Japan too.  I am so glad that nobody got injured in the end and I would remember all the words and smiles  that we exchanged. 

Thank you very much Ms. Toeingam Guptabutra, Faculty of Painting, Sculpture, and Graphic Arts, Silpakorn University, The Royal Photographic Society of Thailand, The Japan Foundation Asia Centre for giving me wonderful opportunity.

Obrigada,

– Kyoko Ebata, Tokyo,  25 March  2021

https://www.timorthaiphoto.com/general-2